Come creare grafica senza un designer

Sono le 8:47. Il tuo post è scritto, il tuo caffè sta diventando freddo, e c’è solo una cosa tra te e la pubblicazione: il grafico. Apri una tela bianca, la fissi, trascina una casella di testo da qualche parte, cambia il font tre volte e trenta minuti dopo hai creato qualcosa che assomiglia a una nota di riscatto. Ti sembra familiare?

Ecco la buona notizia, ed è meglio di quanto si pensi: il divario tra “sembra fatto in casa” e “sembra professionale” non è talento. Sono una manciata di regole che i progettisti hanno interiorizzato anni fa e ora seguono con il pilota automatico. Puoi prendere in prestito le regole esatte a partire da oggi. Non hai bisogno di Photoshop, non hai bisogno di un occhio per il colore con cui sei nato e sicuramente non hai bisogno di assumere nessuno.

Questa è la guida completa e senza fronzoli su come creare grafica senza un designer. Alla fine avrai un sistema ripetibile, un breve elenco di strumenti gratuiti e una comprensione sufficiente dei principi sottostanti che puoi guardare a qualsiasi cosa tu faccia e sapere perché funziona o no. Tiriamoti fuori dal business delle note di riscatto per sempre.

Perché la tua grafica sembra “off” (e perché è riparabile)

Quando qualcosa sembra amatoriale, la maggior parte delle persone può sentirlo ma non può nominarlo. Quel vago “eh, non sembra giusto” sentimento è quasi sempre causato da uno dei pochi problemi specifici e risolvibili: troppi caratteri, colori che si combattono, elementi stipati bordo a bordo senza respiro, testo che è difficile da leggere sullo sfondo, o cose che quasi allinearsi ma non del tutto.

Notate cosa non c’è in quella lista: abilità artistica. Il design dall’aspetto professionale è molto più di moderazione e coerenza che di creatività o stile. Il vero superpotere di un designer è sapere cosa lasciare fuori. Una volta che hai capito la manciata di cose che fanno sentire la grafica, puoi individuarle nel tuo lavoro e risolverle in pochi secondi. Questo è l’intero gioco, ed è un gioco che puoi assolutamente vincere.

Inizia con i template (questo non è barare)

Prima di tutto, chiariamo il più grande blocco mentale: usare un modello non è barare, e non è pigro. I progettisti professionisti utilizzano modelli, griglie e sistemi pre-costruiti costantemente. Un template è un head start costruito da qualcuno che ha già preso le cento piccole decisioni sulla spaziatura, la gerarchia e la proporzione che altrimenti avresti agonizzato. A partire da una tela bianca è il modo più difficile per progettare, e non c’è medaglia per farlo nel modo più duro.

Strumenti gratuiti come Canva, Adobe Express e VistaCreate offrono migliaia di modelli ordinati per piattaforma e scopo. Ecco come usarli come un professionista piuttosto che un principiante:

• Scegli per la struttura, non per gli sguardi. Scegli un modello in base al suo layout – dove si trova il titolo, come l’immagine e il testo si riferiscono, quanto spazio viene utilizzato – non perché ti piace i suoi colori specifici o foto stock. Li cambierai comunque.
• Cambia i colori e i caratteri in tuo. Il modo più veloce per sembrare generico è quello di pubblicare un modello esattamente come è venuto. Sostituisci la sua tavolozza con i tuoi due o tre colori di marca e i suoi font con i tuoi uno o due font di marca. Improvvisamente è tuo.
• Elimina più di quanto aggiungi. I modelli spesso vengono caricati con extra decorativi – piccoli punti, wooshes, distintivi. Nel dubbio, toglieteli. Il pulitore legge quasi sempre come più professionale.
• Salva la tua versione modificata come modello personale. Una volta personalizzato, duplicalo per la prossima volta. Ecco come si passa da trenta minuti per grafica a cinque.

L’obiettivo non è quello di dipendere da modelli per sempre. E’ usarle come ruote da allenamento mentre i principi sottostanti affondano. E onestamente? Anche se conosci le regole, a partire da un buon modello sarà ancora più veloce.

La regola del colore: scegli una piccola tavolozza e impegnati

Il colore è dove i principianti perdono la maggior credibilità, ed è anche la cosa più facile da risolvere. L’errore è quasi sempre lo stesso: troppi colori. Quando ogni elemento è una tonalità diversa, nulla sembra intenzionale e il tutto si legge come caotico.

Ecco la tua regola, ed è gloriosamente semplice: Scegli due o tre colori e usali ovunque. Tutto qui. Uno o due colori principali del marchio, più un neutro (di solito un nero scuro per il testo e un bianco chiaro per gli sfondi). Usali in modo coerente in ogni grafica che crei e succede qualcosa di quasi magico — I tuoi post iniziano a sembrare appartenenti allo stesso marchio, perché lo fanno.

Se non hai ancora i colori del marchio, ecco come ottenere una tavolozza senza alcuna formazione di progettazione:

• Rubare da qualcosa che ami. Trova una foto, un prodotto o un marchio i cui colori si sentono giusti per la tua atmosfera e tira due o tre dei suoi colori. Strumenti come Coolors.co o Adobe Color genereranno una tavolozza armoniosa da un singolo colore iniziale o da un’immagine caricata.
• Appoggia il tuo logo. Se ne hai già uno, la tua tavolozza è proprio lì. Usa i suoi colori e ferma la seconda impressione.
• Rispetta il contrasto. Qualunque cosa scegliate, assicuratevi che il colore del testo e il colore dello sfondo siano abbastanza distanti nella leggerezza che le parole sono facili da leggere. Testo scuro su uno sfondo chiaro o testo chiaro su uno sfondo scuro – mai testo grigio chiaro su uno sfondo bianco in cui i lettori devono strizzare lo sguardo.

Una nota calda sulla coerenza del marchio: qualunque tavolozza tu scelga, salva i codici colore esatti (i valori esagonali, quelli piccoli #AD17FF-stile stringhe) da qualche parte si può copiare ogni volta. Indovinare “quel viola che ho usato l’ultima volta” è come le marche si muovono in un aspetto sciatto. Blocca i codici e il tuo feed sembrerà coeso con zero sforzi extra.

Font: uno o due, e lasciare che facciano il loro lavoro

Se il colore è dove i principianti perdono credibilità, i caratteri sono un secondo vicino. La tentazione di usare un copione divertente per il titolo, un sans-serif audace per la sottotesta e qualcosa di “pulito” per il corpo è reale – ed è una trappola. La combinazione di tre o quattro caratteri tipografici è il percorso più veloce per l’aspetto della nota di riscatto.

La regola rispecchia la regola del colore: utilizzare un font, o al massimo due. Se ne usate due, date loro un lavoro diverso. Uno per i titoli (più grande, più audace, attira l’attenzione) e uno per il testo del corpo (più semplice, molto leggibile a piccole dimensioni). Una classica combinazione affidabile è un font caratteristico per i titoli abbinato a un sans-serif semplice e senza senso per tutto il resto.

Alcuni principi di font che aggiornano istantaneamente il tuo lavoro:

• La leggibilità batte la personalità. Quel font decorativo potrebbe essere stupendo, ma se le persone non riescono a leggere il titolo in mezzo secondo mentre scorrono, non è riuscito. Scegli i caratteri che sono chiari per primi, affascinante per secondo.
• Crea gerarchia con dimensioni e peso. Le parole più importanti dovrebbero essere le più grandi e audaci. Il testo di supporto dovrebbe essere più piccolo e più leggero. Questo dice al lettore dove guardare per primo – che è l’intero scopo di un grafico.
• Evitate le impostazioni predefinite, se potete. Non perché sono cattivi, ma perché segnalano “Non ci ho pensato”. Le librerie di font gratuite come Google Fonts ti offrono migliaia di opzioni professionali e i suggerimenti di abbinamento sono integrati.
• Limita anche i tuoi pesi. Anche all’interno di una famiglia di font, non utilizzare sei pesi diversi su un grafico. Due o tre sono abbondanti.

Whitespace: l’aggiornamento gratuito che nessuno usa

Chiedi a un designer il modo più semplice per rendere qualsiasi cosa più costosa, e molti diranno la stessa cosa: aggiungi spazio. Lo spazio bianco – l’area vuota intorno e tra i tuoi elementi – non è spazio sprecato. È la cosa che fa sentire i tuoi contenuti calmi, intenzionali e di qualità invece di angusti e disperati.

I principianti tendono a riempire ogni pixel, come se lo spazio vuoto fosse un fallimento da correggere. Il contrario è vero. Guarda la grafica di qualsiasi marchio di lusso e vedrai enormi quantità di spazio per respirare. Lo spazio segnala fiducia.

Modi pratici per utilizzare lo spazio bianco a partire da ora:

• Dai alla tua stanza di testo di respirare. Non spingere le parole ai bordi della tela. Lascia un margine costante tutto intorno, come una cornice.
• Non raggruppare elementi. Se il titolo, l’immagine e il logo sono tutti bloccati nel mezzo, distenderli. Che ci sia aria tra di loro.
• Cose di gruppo, cose separate e non correlate. Gli elementi che appartengono insieme dovrebbero stare vicini; gli elementi che non dovrebbero avere spazio tra di loro. Ecco come l’occhio di un lettore sa cosa si collega a cosa senza che tu lo spieghi.
• Quando si sente troppo vuoto, probabilmente è giusto. Questa è la parte controintuitiva. Il tuo istinto di riempire il vuoto è di solito sbagliato – resistete.

Allineamento e contrasto: le due regole che fissano quasi tutto

Se ricordate solo due principi tecnici di questo intero articolo, fateli. Allineamento e contrasto fanno più sollevamento pesante di qualsiasi altro concetto di design, ed entrambi sono morti semplice da applicare.

Allineamento: allineare le cose

Nulla urla “fatto in casa” come elementi che quasi si allineano. Un titolo leggermente sinistro dell’immagine sotto di esso, un logo che fluttua in un punto casuale – questi piccoli disallineamenti si registrano inconsciamente e fanno sentire tutto traballante e poco professionale.

La correzione: ogni elemento dovrebbe allinearsi con qualcos’altro. Scegli un bordo – sinistra, centro o destra – e allinea i tuoi elementi ad esso. Il testo allineato a sinistra con un’immagine allineata a sinistra e un logo allineato a sinistra sembra deliberato. La maggior parte degli strumenti di progettazione ha guide di allineamento che scattano elementi in posizione e ti mostrano quando le cose condividono un vantaggio; attivali e effettivamente li usano. L’allineamento costante da solo renderà il vostro lavoro aspetto drammaticamente più lucido, e non vi costa nulla, ma un momento di attenzione.

Contrasto: far risaltare la cosa importante

Il contrasto è ciò che rende il tuo messaggio chiave impossibile da perdere. È la differenza di dimensioni, colore o peso che guida l’occhio. Senza di essa, tutto sembra ugualmente importante, il che significa che nulla lo fa.

Applica il contrasto di proposito: rendi il titolo molto più grande del tuo testo di supporto, non solo un po ‘. Fai della tua call-to-action un colore che si apre sullo sfondo. Metti testo chiaro su aree scure e testo scuro su aree chiare in modo che le parole non combattano mai l’immagine dietro di loro. Se guardi un grafico e non riesci a dire immediatamente cosa leggere per primo, hai un problema di contrasto: fai la differenza finché la gerarchia non è ovvia.

Immagini e icone: dove trovare quelle buone gratis

Le immagini fantastiche spesso si appoggiano su una foto forte o un’icona pulita e non è necessario scattare o disegnare la propria. Librerie gratuite come Unsplash, Pexels e Pixabay offrono foto di alta qualità e veramente utilizzabili che puoi inserire direttamente nella tua grafica. Per icone e semplici illustrazioni, siti come Flaticon e le librerie di icone incorporate negli strumenti di progettazione hanno coperto.

Alcune linee guida per mantenere le scelte di immagine più nitide piuttosto che stocky:

• Scegli foto che sembrano reali, non in scena. Gli scatti overly-posed handshake-in-a-boardroom leggere come generico. Scegli le immagini con luce naturale e momenti autentici – costruiscono fiducia.
• Mantenere uno stile visivo coerente. Se le tue foto sono tutte luminose e ariose, non cadere improvvisamente in una foto di umore scuro. La coerenza attraverso il tuo feed è ciò che lo fa sentire come un marchio.
• Non allungare o strizzare. Quando si ridimensiona un’immagine, tenere le proporzioni in modo che i volti e gli oggetti non distorcano. Ritagliare invece di deformare.
• Aggiungi una sottile sovrapposizione per il testo. Se si mettono parole su una foto, un livello scuro o colorato semi-trasparente sopra l’immagine rende il testo molto più leggibile senza nascondere l’immagine.
• Controlla la licenza. Le librerie di cui sopra sono gratuite per uso commerciale, ma dai un’occhiata ai termini in modo da non utilizzare mai qualcosa che non dovresti.

Una nota sulle dimensioni: controlla le specifiche della piattaforma corrente

Avrai bisogno che la tua grafica si adatti correttamente a ogni piattaforma in modo che non vengano ritagliate in modo imbarazzante, ma ecco un heads-up onesto: le dimensioni esatte consigliate per i post di feed, le storie e le miniature cambiano più spesso di quanto ti aspetti e differiscono per piattaforma. Piuttosto che fidarti di un numero che hai visto in qualche post sul blog un anno fa, controllare la dimensione corrente raccomandata nel vostro strumento di progettazione o i documenti di aiuto della piattaforma prima di esportare. La maggior parte degli strumenti come Canva etichetta i loro modelli per piattaforma e mantenere quelle dimensioni aggiornate per te, che è un altro motivo a partire da un modello salva il mal di testa. Il principio da ricordare è semplice: progettare alle giuste proporzioni per dove sta andando e visualizzarlo in anteprima su un telefono prima di pubblicarlo.

Il tuo workflow di start-today

Mettiamo tutto insieme in un sistema che puoi effettivamente eseguire quando l’orologio dice 8:47 e il panico è impostato in. Ecco il flusso di lavoro ripetibile:

• Passo 1: Imposta il tuo kit di marca una volta. Prima di creare un singolo post, blocca i tuoi due a tre colori (salva i codici esatti), i tuoi font uno a due e il tuo logo. Molti strumenti gratuiti hanno una funzione “brand kit” che li memorizza in modo che siano a un clic di distanza ogni volta. Questa configurazione di dieci minuti ti fa risparmiare ore per sempre.
• Passo 2: Inizia da un modello. Apri il tuo strumento, filtra i modelli in base alla piattaforma su cui stai postando e selezionane uno per il suo layout.
• Passo 3: Scambia nel tuo marchio. Sostituisci i colori del modello con i tuoi, i suoi font con i tuoi e rilascia l’immagine o l’icona. Eliminare qualsiasi disordine decorativo che non ti serve.
• Passaggio 4: eseguire il controllo a cinque punti. Prima di esportare, chiedere: Ci sono solo due o tre colori? Solo uno o due caratteri? C’è abbastanza spazio bianco? Tutto è allineato ad un vantaggio condiviso? La cosa più importante si distingue chiaramente? Risolvere tutto ciò che fallisce.
• Passo 5: Salvalo come tuo modello. Duplica il tuo grafico finito in modo che la prossima volta che inizi da qualcosa fatto all’80%.

Fallo una manciata di volte e smette di sembrare un design e inizia a sentirsi come riempire una forma. E’ esattamente questo il punto. Un sistema ripetibile batte ogni volta l’ispirazione fugace – e significa che non stai mai più fissando una tela bianca sperando in un fulmine di creatività che non sta arrivando.

Una volta che hai un grafico di cui sei orgoglioso, l’ultima cosa che vuoi è perdere slancio manualmente pubblicandolo ovunque nel momento perfetto. È qui che la pianificazione in anticipo paga: mettere in batch una settimana di immagini in una sola seduta e lasciarle andare fuori programma è la differenza tra il design che è una corsa quotidiana e una parte calma e gestita della tua routine. Abbinare il nuovo sistema di progettazione con un solido modello di calendario per i social media significa che puoi creare in lotti focalizzati e non affrontare mai più il panico delle 8:47.

Errori comuni da evitare

Ora sai cosa a – Certo. Ecco una rapida hit-list di cosa non per fare, in modo da poter prendere se stessi prima di pubblicare:

• Usare troppi font o colori. Il numero uno del lavoro amatoriale. Nel dubbio, sottrarre.
• Arrabbiare tutto edge to edge. Dagli spazio. La stanza vuota è una caratteristica, non un bug.
• Ignorando l’allineamento. “Quasi allineato” è peggio di ovviamente fuori. Snap tutto ad un bordo condiviso.
• Testo a basso contrasto. Se devi fare uno stratagemma per leggerlo, lo faranno anche tutti gli altri. Fai saltare la differenza tra testo e sfondo.
• Pubblicare il template così com’è. Scambia sempre i colori e i caratteri del tuo marchio o ti mescolerai con le migliaia di altre persone che hanno utilizzato lo stesso modello.
• Reinventare la ruota ogni volta. Non salvare il tuo lavoro come modelli riutilizzabili significa che rifare le stesse decisioni per sempre. Costruisci il tuo sistema una volta.

La coerenza in tutto questo è ciò che trasforma la grafica individuale in un marchio riconoscibile, e un marchio riconoscibile è ciò che fa smettere di scorrere le persone perché sanno che sei tu. Se vuoi approfondire il tema della coerenza e della programmazione di ogni tuo contenuto, la nostra guida consigli per la gestione dei social media si abbina perfettamente con il sistema di progettazione che hai appena imparato. E una volta che pubblichi costantemente immagini forti, vale la pena imparare come crescere su Instagram Così tutto quel lavoro raffinato raggiunge effettivamente più persone.

Hai questo

Ecco la verità che mi ha portato un po ‘a credere: la grafica dall’aspetto professionale non è il prodotto del talento che hai o non hai. Sono il prodotto di alcune regole applicate in modo coerente: una piccola tavolozza, uno o due font, uno spazio bianco generoso, un allineamento ordinato, un contrasto deliberato e l’umiltà di iniziare da un modello invece di una pagina vuota. Ognuno di questi è imparabile in un pomeriggio, e ognuno di loro è completamente gratuito.

Quindi la prossima volta che saranno le 8:47 e la grafica sarà l’unica cosa tra te e la pubblicazione, non ti farai prendere dal panico. Aprirai il kit del tuo marchio, afferrerai un modello, eseguirai il controllo a cinque punti e spedirai qualcosa di cui sei veramente orgoglioso – in cinque minuti, senza un designer, senza una laurea in design e senza un solo momento di disperazione. Vai a fare qualcosa di grande.